Nació en Guadalajara, Jalisco el 3 de marzo de 1933 apodado "El embajador del romanticismo" y "El lujo de México".

Su voz es de una tesitura de barítono la cual llega a unas notas graves poderosas. El registro de barítono va desde un sol (siendo un do el do central del piano) a un mi (el mi de la primera línea del pentagrama en clave de sol).

Origen

Desde que su hermano José Muñiz le hizo el favor de presentarlo a gente relacionada con el ambiente artístico desarrollo su talento musical. Luego de formar parte del coro en una iglesia de Guadalajara y de varias agrupaciones musicales, principalmente de carácter improvisado se traslada a Ciudad Juárez en 1946, lugar en donde no tuvo mucha suerte y decide regresar a su natal Guadalajara.

Como cantante, no lograba reunir suficiente dinero para subsistir, por lo que durante sus años iniciales tuvo que mezclar su carrera artística con otros oficios tales como los de panadero y joyero. Como recuerdo de este oficio aún conserva un diamante en la muñeca izquierda. Su inquietud por la farándula lo hace marcharse a la Ciudad de México y acepta trabajar como portero en la emisora radial XEW y posteriormente como asistente parcial de cantantes como Libertad Lamarque y Benny Moré.

Inicios

En sus comienzos se presentaba en uno de los cabarets más conocidos de la capital mexicana conocido como La Bandida. Es ahí donde conoce a Juan Neri y Héctor González quienes tocaban en el Trío Culiacán. Un día el tercer integrante del trío no llegó por lo que Muñiz se ofreció a suplirlo por ese día alegando saber tocar guitarra, lo cual era falso. Al llegar a la serenata, Muñiz confiesa y sus compañeros lo reprenden pero ya no había nada que hacer y no quedaba otra alternativa que darle un par de maracas para que acompañara mientras hacía la tercera voz. El atrevimiento valió la pena pues Neri y González quedaron sorprendidos con el estilo, originalidad y dulzura en la voz de Muñiz.

Eventualmente Juan Neri, primera voz, requinto y director del trío, le pidió quedarse a tiempo completo, en el cual tomó el papel de tercera voz en conjunto y las partes de solista. Luego de varias vicisitudes -principalmente rechazos-, fueron descubiertos por el empresario de una casa disquera quien los firma inmediatamente. Comenzaba a surgir uno de los tríos de mayor fama en la historia musical de Latinoamérica: Los Tres Ases, nombre que adoptaron por sugerencia de su nuevo manejador y escogido al azar entre varias opciones. Junto con Los Tres Ases consiguió grabar ocho discos de larga duración, de entre los cuales destacan grandes éxitos como: Contigo en la distancia, La enramada y Regálame esta noche, por mencionar algunas.

A finales de 1959 y principios de 1960 dos motivos provocan la salida de Muñiz del trío: las diferencias cada vez más frecuentes con Neri cuyo alcoholismo comenzaba a afectar al trío por su informalismo e inconstancia, y porque ya desde una gira que hicieron a Puerto Rico y otros países, varias personas allegadas a Muñiz le habían sembrado la inquietud de algún día probar como solista.

Fuente: Wikipedia

Nace en la Ciudad de México, D.F. el 9 de febrero de 1968, conocida artísticamente como Alejandra Guzmán, es hija del cantante de rock and roll y actor Enrique Guzmán y de la primera actriz mexicana Silvia Pinal. Ha conseguido vender más de 15 millones de discos a nivel mundial en Centroamérica y Sudamérica.

La relación entre la actriz del cine mexicano, Silvia Pinal Hidalgo y el famoso cantante de rock venezolano de los años 60 Enrique Guzmán Vargas, causó polémica, debido a la gran diferencia de edades (casi 14 años), pero a pesar de las críticas, en 1968 nació su hija Alejandra.

Alejandra Guzmán hizo su primera aparición televisiva a los dos meses de edad en el programa de sus padres, titulado "Silvia y Enrique", con tan sólo 8 años de edad, comenzó a tomar clases de ballet, claqué y jazz. Su creatividad y originalidad se desarrolló desde los primeros años de su vida, ya que tuvo la oportunidad de experimentar con las bellas artes, como el baile y la pintura, y todo lo relacionado con el mundo del espectáculo.

Alejandra Guzmán, resintió desde edad temprana la ausencia de sus padres, que estaban en constantes viajes debido a lo demandante de su trabajo. El matrimonio Guzmán-Pinal se desgastaría tiempo después en medio de problemas y agresión física, culminando en el divorcio, cuando Alejandra tenia 6 años de edad.

El 25 de octubre de 1982, la familia Pinal sufrió la dolorosa perdida de Viridiana Alatriste, media hermana de Alejandra, hija de Silvia Pinal y Gustavo Alatriste, Viridiana murió en un accidente automovilístico, este hecho marcó la vida de "La Guzmán".

Alejandra era una joven rebelde e inquieta que escapaba de su casa para salir a fiestas pero, siempre mostró peculiar interés por las actividades artísticas. Su preparación fue muy diversa ya que viajaba en las giras de las obras de teatro de su madre, hizo comerciales, participó en televisión, hizo coros para bandas y hasta trató de incursionar en proyectos como Garibaldi, Flans y Fresas con crema (con quienes llegó a presentarse en el Palacio de los Deportes) sin embargo, su madre le prohibía estar en estos proyectos sin terminar la preparatoria. Alejandra hizo todo lo posible por estar en el mundo del entretenimiento sin descuidar la escuela. Participó en novelas como"Cuando los hijos se van" y "Tiempo de Amar" y en la obra musical "Mame" al lado de su madre. A pesar de esto, Alejandra conoció a la rockera Mexicana "Kenny" integrante del grupo "Los Eléctricos" y participó con ella haciendo los coros en sus presentaciones, motivándola a incursionar en el mundo de la música.

Fuente: Wikipedia

 

 

Nace en la capital mexicana el 24 de abril de 1971, pero es registrado en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, conocida mundialmente como la auténtica «Cuna del Mariachi». Es hijo menor del famoso cantante ranchero Vicente Fernández y de María del Refugio Abarca, conocida como Doña Cuca. Crece en el seno de una familia tradicionalmente unida. Tiene dos hermanos mayores Vicente Jr. y Gerardo, y una hermana Alejandra.

Además de su inclinación musical por herencia y por vocación, Fernández sintió también la necesidad de ampliar su formación personal y, tras los estudios primarios y secundarios, ingresó en la Universidad del Valle de Atemajac para estudiar Arquitectura.

Es conocido por el público y la prensa como «El Potrillo», apodo que le viene debido a que el rancho de su padre es denominado «Los Tres Potrillos» en honor a sus tres hijos varones.

Como empresario, a Fernández se le atribuye la propiedad del centro comercial Unicenter en Guadalajara, donde hay diferentes tipos de negocios y que genera empleo a más de 170 personas.

También participó con su familia en la construcción del «Lienzo Charro y Centro de Espectáculo Don Vicente Fernández Gómez», mejor conocido como la Arena VFG, el más grande lienzo de toda América Latina, con una capacidad para 11.000 personas. Básicamente, dedicado a espectáculos masivos y eventualmente competiciones de charrería.

Fernández tiene cinco hijos: tres (Alejandro Jr. y las gemelas América y Camila) con su ex esposa, América Guinart, y dos (Emiliano y Valentina) con su ex novia, la colombiana Ximena Díaz.

Comienzos

En 1976, su padre presentó a Alejandro al público e interpretó «Alejandra» frente a más de 10.000 personas. Alejandro ha dicho que esa presentación fue un momento muy traumático, pues sufrió pánico escénico. A los cuatro años trabajó en la película Picardía mexicana y recibió su primera compensación económica.

A los 18 años colaboró con su padre en un disco homenaje a la música mexicana México, voz y sentimiento con el tema «Amor de los dos», el cual resultó un éxito. Este evento sembró en él la inquietud de cantar profesionalmente. En ese mismo año Alejandro filmó junto con su padre otra película, «Mi querido viejo».

Fuente: Wikipedia

 

Nació en Veracruz el 6 de enero de 1964 (48 años) durante su infancia y paralelamente a su formación en el colegio en su natal Veracruz, Yuri estudió danza clásica y obtuvo, en un concurso a los once años, una beca para el ballet del Parque Acuático de El Rollo, que no aprovechó porque sus padres se lo impidieron.

Su madre, Dulce Canseco, en compensación, le ayudó a entrar a un grupo llamado "La Manzana Eléctrica" que ya era famoso en el puerto de Veracruz por tocar como las grandes bandas de rock de los 70tas, posteriormente después de el éxito de Yuri se hizo llamar "Yuri y La Manzana Eléctrica". El grupo tocó en fiestas en su ciudad natal, así como en importantes festivales, en los que llegó a alternar con Celia Cruz. Durante una presentación del grupo, un ejecutivo del sello discográfico Gamma, descubrió el potencial de la cantante y le propuso grabar su primer disco de larga duración (álbum). Su madre aceptó la propuesta, y desde ese momento se convirtió en su representante. Se mudaron a la ciudad de México, pero sin el apoyo económico de la familia.

Julio Jaramillo produjo su primer disco, que incluyó la versión en castellano de You Light Up My Life (Tú iluminas mi vida), de la cantante estadounidense Debby Boone el cual fue su primer sencillo a Nivel Nacional. Sin embargo, el disco no obtuvo el éxito anhelado. Pero le otorgo la oportunidad de Realizar su primer trabajo de actuación en la película Milagro en el circo donde incluyo su siguiente single "Son las cosas bonitas del amor", al lado de Cepillín, y colaboró en el programa En familia, con Chabelo.

Nace una estrella

En 1979 Yuri participó en el festival de la Organización de Televisión Iberoamericana (OTI), en la eliminatoria mexicana, y fue descalificada debido a que el tema Siempre hay un mañana, de la autoría de Irasema, fue un presunto plagio de la canción McArthur Park, interpretada por Donna Summer. No obstante, el jurado le otorgó, por voto unánime, el premio a la "Revelación femenina del festival", lo que le valió para que su compañía discográfica le grabara al siguiente año, también con el productor Julio Jaramillo, su segundo álbum, titulado Esperanzas, con el que alcanzó su primer gran éxito con el tema Esperanzas e inició su carrera actoral en telenovelas como Colorina, al lado de Lucía Méndez, y en Verónica, al lado de Cristian Bach. Se inició su proyección internacional y el disco se editó en Centroamérica, Sudamérica, el Caribe y en los Estados Unidos.

Primer amor, Goma de mascar y Regresarás se colocaron en los primeros lugares de popularidad en toda América Latina.

En 1981 concursó por segunda ocasión en el festival OTI y obtuvo el tercer lugar nacional y el "Premio a la mejor intérprete femenina" con Deja, de José María Napoleón. El año siguiente, 1982, con su tercer álbum, Llena de dulzura, obtuvo el "Disco de Oro" por toda América Latina, gracias a los temas Mi timidez, Llena de dulzura, Tú y yo, Este amor ya no se toca (versión en castellano de la canción Questo amore non si tocca, del cantante italiano Gianni Bella) y Maldita primavera (versión en castellano de la canción Maledetta primavera, de la cantante italiana Loretta Goggi), con lo que se convertiría en la primera cantante latinoamericana en obtener "Disco de Oro" en España.

Ese mismo año grabó el sencillo El pequeño panda de Chapultepec, dedicado al primer panda gigante nacido en cautiverio fuera de China, cuyo single superó el millón de unidades vendidas y posteriormente se incluyo en una reedición del disco al igual que "Deja".

En 1984 fue invitada al Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar (Chile), y obtuvo la anhelada "Antorcha de Plata", con lo que se convirtió en la primera cantante mexicana en obtener este galardón. En 1983 continuó el éxito con su cuarto álbum, titulado Yuri (YO TE AMO, TE AMO) este álbum incluye uno de sus más grandes éxitos: “Yo te amo, te amo” que es la versión en español del tema “Se t’amo t’amo” grabado originalmente por la italiana Rosanna Fratello. En España este disco se editó bajo el nombre de “Sí, Soy Así” incluyendo el tema con el mismo nombre, y filmó su segunda película, Canta Chamo (Secuestro en Acapulco) , al lado del grupo musical venezolano Los Chamos. Temas como "Vuelve", "Solos" y "soy un garabato sonaron" en radio.

1984 fue especialmente bueno para Yuri, pues con su quinto álbum, Karma kamaleón (en España titulado "Ni Tu, Ni Yo") continuó en los primeros sitios de popularidad Esta producción contiene la versión en español del tema “Karma Chameleon” del grupo británico Culture Club,“No sé que tienes tú” es también bien aceptado por el publico, y fue cuando decidió por tercera vez participar en el festival OTI, con el tema Tiempos mejores, de la autoría de Sergio Andrade. Triunfo en la competencia Nacional y representó a México en la etapa internacional, donde obtuvo el tercer lugar y el "Premio a la mejor intérprete del festival".

Fuente: Wikipedia

Con el nombre de trova yucateca se denomina a ciertos aires musicales mestizos típicos de Yucatán, México, cuyo origen se remonta a finales del siglo XIX y principios del XX. Los géneros propios de la trova yucateca son básicamente tres: el bambuco, de origen colombiano; el bolero, de ascendencia cubana, y la clave.

Los compositores de este género incluyen en ocasiones valses, pasillos (venezolanos) propiamente dichos, habaneras e incluso jaranas (un género musical bailable nativo también de Yucatán, descendiente de la Jota aragonesa, pero relacionado con los pueblos mayas de la región). Los primeros intérpretes de la trova yucateca que alcanzaron la fama fueron Chan Cil,Ricardo Palmerín y Guty Cárdenas, quienes difundieron la música de la península yucateca y en los núcleos urbanos del México de principios del siglo pasado.

Instrumental

El conjunto tradicional de la trova yucateca es el trío, compuesto por una guitarra que lleva la rítmica, el Tololoche (guitarrón bajo) y el requinto, un cordófono de seis cuerdas más pequeño que la guitarra común y con un sonido más agudo. De la década de los 50´s, por popularización en particular del trío Los Panchos el trío yucateco se modifica a una configuración de 2 guitarras y un requinto, pero a partir de mediados de los 90´s las nuevas generaciones de tríos han reincorporado en su mayoría el bajo, si bien como Tololoche, Contrabajo o Guitarra Baja, tratando de rescatar el sonido rítmico yucateco en yuxtaposición al sonido melifluo del bolero del centro del país. En cuanto a la poesía, puede decirse que se distingue por su delicadeza y buen gusto, además de poseer una marcada proclividad por la temática romántica en la mayor parte de sus letras. No obstante, en muy pocas canciones se habla de fracasos o decepciones amorosas, más bien se enaltece al amor y a la mujer. A diferencia de la poesía de otros géneros vernáculos de México, en la trova yucateca las letras permanecen alejadas de la procacidad, de la vehemencia o de las aventuras y hazañas. El marco musical que las arropa representa una amalgama ideal para transmitir tan bello mensaje, pues los músicos y compositores yucatecos siempre se han distinguido por saber encontrar las notas, la cadencia y el fraseo adecuados para los poemas que son puestos en sus manos, para reflejar fielmente el alma de Yucatán. Entre los más connotados poetas que cultivaron y dieron forma a este género pueden mencionarse a Luis Rosado Vega, Ermilo Padrón, Ricardo López Méndez, Pastor Cervera y muchos más.

Serenatas

Es ya una tradición el que se den serenatas de trova yucateca a la amiga, a la novia, a la hija, a la madre. En Mérida (Yucatán), al anochecer, se dirigen los que quieren "llevar" la serenata a la Plaza Grande de la ciudad, para encontrar y contratar al trío de su predilección, - a escoger entre varias agrupaciones de diversos timbres vocales, repertorios y vestimenta - para transportarlos a la casa de la homenajeada a fin de ahí deleitarla -a ella y al vecindario- con un concierto de cinco o seis canciones. Del mismo modo, también es ya tradición, los jueves por la noche, concurrir a la Plaza de Santa Lucía en el centro de la ciudad de Mérida, para escuchar la serenata semanal que se ofrece gratuitamente para el público local y foráneo que concurre al sitio en buen número.

Museo de la canción

Hay, también en la ciudad de Mérida, un Museo de la canción yucateca en donde se reúne y expone la historia y peculiaridades de la trova y en general de la música regional, fundado por la señora Rosario Cáceres, nieta del creador de la trova yucateca, Cirilo Baqueiro Preve (Chan Cil). Ahí, además de loarse a los poetas, compositores e intérpretes de este género musical se hacen representaciones públicas permanentemente.

Interpretes

Algunos intérpretes famosos de la trova yucateca: Trío Los Nobles, "Duendes del Mayab", Pastor Cervera, Juan Acereto, Chalín Cámara, Armando Manzanero, Felipe Domínguez, Carlos Gil, trío "Los Montejo", grupo "Los Juglares", grupo "Las Aguilas del Mayab" (Umán), Sergio Esquivel, trío "Caminantes del Mayab", trío "Los Condes", Luis Demetrio, Jorge Buenfil, trío "Los tres Yucatecos", Tony Espinosa, Maricarmen Pérez, grupo "Yahal Kab", y muchos más.

Cabe destacar que al día de hoy existen una gran cantidad de intérpretes profesionales de esta música vernácula yucateca, a pesar de que la cantidad de autores de este género ha disminuido notablemente.

Fuente: Wikipedia

 

Vicente Fernández Gómez nació el 17 de febrero de 1940 en el pueblo de Huentitán El Alto, Jalisco, México; es hijo del ranchero Ramón Fernández y la ama de casa Paula Gómez de Fernández.

A los 14 años, entró a un concurso amateur en Guadalajara, en el que ganó el primer lugar.

En el año 1954, empezó a cantar localmente en restaurantes y bodas, para grupos de familiares y amigos.

En 1960 llegó a la Ciudad de México y el primer lugar que visitó fue la Plaza Garibaldi, donde preguntaba por restaurantes en donde le fuera posible cantar a cambio de propinas. Alguien le señaló el local tradicional de El Amanecer Tapatío.

A los 21 años participó en el programa La calandria musical.

A principios de 1963, su madre, Paula Gómez de Fernández muere de cáncer a los 47 años de edad. Posteriormente –ése mismo año, el 27 de diciembre– se casa con María del Refugio “Cuquita” Abarca Villaseñor, su vecina de Guadalajara. Pronto la pareja tendría cuatro hijos: Vicente, Gerardo, Alejandro y Alejandra.

Después, Chente ingresó a trabajar al cabaret El Sarape, donde consiguió un sueldo como cantante.

Para el año de 1964, Fernández se unió con algunos de los grupos de mariachi más conocidos de México, como el Mariachi Amanecer de Pepe Mendoza, y el Mariachi de José Luís Aguilar (Felipe Arriaga), este cantante tuvo una relación muy cercana a Vicente y fue una persona tan importante en su vida como Federico Méndez Tejeda.

A través de la XEX, en 1965 Fernández pudo llegar a audiencias más grandes y empezar a construir fama local.

Se presentó en el Teatro Blanquita de México y en el verano de 1966 Fernández firmó su contrato con CBS México (hoy Sony Music) grabando sus primeros hits: “Perdóname”, “Cantina del Barrio” y “Tu Camino y El Mío”, Fernández había comenzado su camino. Siguieron una serie de álbumes con ventas importantes, incluyendo “Palabra de Rey”, “Soy de Abajo” y “Ni en Defensa Propia”. También entró a trabajar en Televisa, donde conoció a Raúl Velasco. Interpretó en vivo temas como Tu camino y el mío o Volver volver.

Fernández extiende su trabajo hacia el cine, en 1971. Aparece en su primera producción mexicana, “Tacos Al Carbon”.

En 1972, su hit mundial e himno ranchero “Volver, Volver” cimentó su posición como el más grande cantante ranchero de todos los tiempos.

Marco Antonio Solís Sosa nació el 29 de diciembre de 1959 en Ario de Rosales, Michoacán, también es conocido artísticamente como "El Buki".

Siendo adolescente viajó a la Ciudad de México y constituyó a Los Bukis en la primera mitad de los 70'. Durante las siguientes dos décadas, Los Bukis influyeron profundamente en la música del norte de México, Nuevo México y el México texano, llegando incluso al suroeste de Estados Unidos. Aunque Solís continuó trabajando junto a Los Bukis, inició una carrera en solitario que tuvo como resultado varios discos de platino en la década de los 90' con los CDS "Quiéreme", "Inalcanzable" y "Por amor a mi pueblo".

Los Bukis fueron fundados por los primos Marco Antonio y Joel Solís. Antes de Los Bukis, los primos ya habían formado un dueto llamado "Los Hermanitos Solís". Posteriormente se cambiarían el nombre a "Los Soles Tarascos".

En el verano de 1996, Marco Antonio Solís dio a conocer su primer álbum como solista, titulado "En pleno vuelo". Por ese mismo tiempo, Los ex-Bukis también sacaron a la venta su propio álbum, haciéndose llamar "Los Mismos": "Juntos para siempre". Ya cada quien por su lado, Los Mismos volvieron a lanzar otro álbum en 1997 titulado "Te llevas mi vida", seguidos por Marco Antonio Solís, quien daría a conocer su segundo álbum en septiembre de 1997 titulado simplemente "Marco".

En 1975 lanzó su primera producción titulada ‘Falso Amor’, y hasta ahora, ha grabado 24 producciones discográficas.

 

 

En 1960, nace en México lo que se conoce como la gran época del Rock and Roll en Español. Cuando las emisoras de radio comenzaron a promover algunos temas de Rock and Roll, las compañías disqueras se dieron cuenta que éste ritmo había llegado para quedarse y que sería el trampolín para las nuevas generaciones y las nuevas agrupaciones y cantantes en solitario.

El Rock and Roll en México, solo vivió 5 años, de 1960 a 1965, en comparación con el Rock and Roll en los Estados Unidos, que se había iniciado allá por el año de 1954. Por eso es que es muy normal, que se le llame Rock and Roll a todos los diferentes ritmos de esa época como el Twist, el Mush, el Stroll, el Surf, el Bristol, el Calipso, el Madison, etc.

Esta época musical, fue prácticamente exclusiva para jóvenes de la era, que les dio la oportunidad de traducir las canciones del ingles al español sin importar tanto la letra, sino que aquí lo que importaba era el ritmo musical y nada más. Los jóvenes al ver la euforia musical, se lanzaron a crear nuevos grupos musicales. Nacen entonces Los Locos Del Ritmo, Los Rebeldes Del Rock, Los Hermanos Carrión, Los Teen Tops, los Hooligans y muchísimos, muchísimos grupos más.

Pero no nada mas fueron los grupos que amenizaban las fiestas o se presentaban en Teatro, Radio o Televisión. De estos grupos se desprenden también grandes intérpretes solistas como Enrique Guzmán, Cesar Costa, Lalo Carrión, Alberto Vázquez, Al Suárez, Manolo Muñoz, Fabrizio, Ricardo Roca, solo por mencionar algunos de ellos. Y que decir del genero femenino: Mayte Gaos, Queta Garay, Leda Moreno, Angélica María, Pili y Mayte Gaos, Vianey Valdéz y muchas, muchas estrellas más.

Fuente: rocksesentas.com

 

 

La música norteña reúne una gama de formas y tradiciones que representan a cientos de miles de personas en toda la República mexicana y, además, en otros países latinoamericanos como Honduras, Guatemala, Belice, Costa Rica y Colombia. También es muy popular en el sur de los Estados Unidos, sobre todo entre los miembros de la comunidad méxico-americana.

Es un estilo de vida que se ha trasformado en una rama muy poderosa de la industria de la música en Español, misma que genera millones de dólares para el mercado internacional. Es interpretada regularmente por un conjunto que toca su música utilizando el acordeón, el bajo sexto y, en ocasiones, el contrabajo, la tarola y el saxofón, inclusive.

Puede ser cantada o no, sin embargo, las versión cantada, hoy en día, es el género musical más popular tanto en áreas urbanas como en el campo del centro-norte de México y el sur de los Estados Unidos.

La música norteña se ha diversificado varias modalidades, algunas más regionales que otras, pero con diferentes públicos que los consideran como propias y representativas de sus comunidades. En la actualidad, la música Norteña se considera dentro de lo que se conoce como la música Grupera, misma que abarca a su vez a una enorme variedad de diferentes estilos. Los más conocidos son:

Los Tigres del Norte

•    La Música Bachata.
•    La Música Balada.
•    La Banda.
•    La cumbia.
•    El Duranguense y el Duranguense light.
•    La música Sierreña. El Tex-Mex.
•    La música de Tierra caliente.
•    La música Tropical.
•    El vallenato.
•    La Música Norteña.

Si bien cada estilo tiene sus pequeños detalles técnicos y de interpretación que lo distinguen de los demás, son los orígenes de los conjuntos y los temas de sus composiciones los que marcan al diferencia más clara. El ritmo y las raíces van muy de la mano en estos géneros musicales. Prueba de ello es lo que ocurre entre la Música Norteña y la música Texana. Mientras que en la Texana, pese a haber evolucionado de la Norteña, se pueden distinguir atisbos del jazz y del country norteamericano, en la Norteña, propiamente, se puede percibir una naturaleza más tradicional y con raíces profundas en el México rural del norte del país.

Algunas variantes tocan temas sociales que están bajo la superficie y que no obtienen difusión comercial como los narco-corridos. Se trata de la Música Norteña que contiene dentro de sus letras hechos reales o ficticios del crimen organizado. Las experiencias y aventuras de personajes (famosos e inventados) se transforman en composiciones que relatan las historias de miembros de las poderosas redes de tráfico de drogas que se extienden a lo largo del país, y tienen gran aceptación entre los fanáticos, aunque muy poca difusión comercial por obvias razones.

En suma, la Música Norteña es mucho más que un género musical o un estilo de interpretación, sino que es, sin duda, todo un movimiento socio-cultural en el que se expresan valores propios del México urbano y rural, y los cuales, tienen actualmente permanencia a lo largo y ancho del territorio nacional.

Fuente: norteñas.com

 

José Rómulo Sosa Ortiz nació el 17 de febrero de 1948 en la Ciudad de México.

Referido en el mundo del espectáculo como "El Príncipe de la Canción", José José es considerado uno de los cantantes más talentosos de la música popular latinoamericana, reconocido por su privilegiada voz. En más de cuarenta años de carrera musical, su interpretación y su estilo han influido sobre numerosos artistas del ámbito mundial.

Nacido en una familia de talentosos músicos, José José comenzó su carrera tocando la guitarra y cantando en serenatas durante la adolescencia. Más tarde, se unió a un trío de jazz y bossa nova en el que cantaba y tocaba el bajo y contrabajo. Se convirtió en un solista exitoso en 1970, demostrando su habilidad vocal con una interpretación magistral de la canción El Triste, siguiéndole una serie de enormes éxitos durante la década. En los 1980 ganó fama internacional por ser uno de los cantantes más talentosos y exitosos de América Latina.

Su álbum Secretos de 1983 es uno de los discos más vendidos en la historia de la música popular mexicana, con más de 11 millones de copias hasta la fecha. En total ha vendido más de 85 millones de discos lo que lo convierte en uno de los cantantes latinos más exitosos de la historia. Recibió varias nominaciones al Grammy y numerosos reconocimientos a nivel mundial. Ha llenado varias veces los recintos más importantes del mundo del espectáculo, tales como el Madison Square Garden, Radio City Music Hall, Pavillion de Chicago, Las Dunas en Las Vegas, United Palace de New York, el Auditorio Nacional de México, entre otros. Su música ha llegado a países no hispanoparlantes como Japón, Israel, Egipto y Rusia. También ha forjado una carrera como actor, pues protagonizó películas como Gavilán o Paloma y Perdóname todo.

La música del estado de Oaxaca es muy diversa y rica culturalmente ya que se interpretan diversos ritmos dependiendo de la región cultural y geográfica de este. La música oaxaqueña forma parte de la cultura mexicana que se nutre de modos de vida diversos, supone un repertorio de contextos culturales tan diferentes como sus modos y creencias.

Muchas canciones oaxaqueñas son bien conocidas alrededor del mundo, tales como: "La Sandunga", "La Martiniana", "La Llorona", "Canción Mixteca", Dios Nunca Muere y muchas más que forman parte de la cultura mexicana.

Los sonidos de Oaxaca son muy variados ya que van desde Bandas de viento en la Sierra; sones y jarabes en la Mixteca; chilenas en la Costa; sones y huapangos en la cuenca del Papaloapan con acompañamiento de arpa y jaranas, música de marimba en el Centro; canciones zapotecas en el Istmo; y la canción mixteca es la más reconocida, junto con el himno de Oaxaca, el vals Dios nunca muere, del compositor Macedonio Alcalá, con bandas como las de Tlaxcaltepec o Aguatlán mixe que son del municipio de Cacalotepec.

Entre los músicos destacados del estado se encuentra el ilustre Macedonio Alcalá (1831-1869) nacido en la Ciudad de Oaxaca el 12 de septiembre de 1831, fue el tercer hijo del Sr. D. Gabriel Alcalá y de su esposa doña Tomasa Antonia Prieto. Entre sus composiciones de las que hoy tenemos conocimiento (aunque no conocidas por todos) están "Marcha fúnebre", "Sólo dios en los cielos", "El Cohete" y "Ave María". Esta última una obra para dos voces. Y La que es considerada el himno de los oaxaqueños “Dios nunca muere”. Así también músicos como Álvaro Carrillo nacido en San Juan Cacahuatepec, Oaxaca, el 2 de diciembre de 1921, y muerto en un accidente automovilístico el 3 de abril de 1969. Autor de más de 300 canciones entre las que destacan Amor mío, Sabor a mí, Como un lunar, El andariego, Luz de luna, Sabrá Dios, Seguiré mi viaje, Pinotepa y La mentira.

Otros de los músicos importantes dentro la geografía musical de Oaxaca es: Jesús Rasgado. Este compositor istmeño nació en la población de Ixtaltepec, ex -distrito de Juchitán, el día 7 de enero de 1907.

Sus padres fueron doña Mónica Rasgado, originaria del mismo pueblo descendiente de una familia de músicos y, del español Cayetano Irigoyen, procedente de una familia de bohemios, que allá en la madre patria se destacaron por las bellas letras. Sus canciones cumbres fueron un total de treinta y seis, además muchas fúnebres y misas cantadas a Santo Domingo de Guzmán y a San Juan Degollado. Entre las canciones más destacadas tenemos: "Naila", "La misma noche", "Somos tres", "Cruel destino", "La vida es un momento", "Punto final", "Vida y amor", "Penúltimo beso", "Vuelve otra vez", "Altivez", "Emperatriz", "Renunciación", "Benita López Chente", "María Cristina", "Tehuanita", entre otras.

Tampoco dejaremos de mencionar a otro gran músico Oaxaqueño: Amador Pérez Torres “Dimas“. Nació en la Villa de Zaachila el 15 de abril de1902 y murió en la Ciudad de México el 30 de enero de 1976. Sus padres fueron Gildardo Pérez y Macrina Torres. Entre sus obras más destacadas a ritmo de danzón Nereidas, así como Adela, Circulando, Cuando Canta el Cornetín, El Acahual, Que cante la gira, etc.

Sin dejar de lado a Rodolfo Villegas Bolaños 1950-2004 hombre de gran talento musical, el cual rinde férvido homenaje a las mujeres de las ocho regiones del estado, con la melodía quizá más representativa de nuestro folklore a nivel mundial "Mujer Oaxaqueña".

La cantante oaxaqueña Lila Downs ha sido considerada embajadora de la música mexicana en el mundo, ella tiene un amplio repertorio de canciones populares cantadas en lenguas indígenas, así como en español e inglés. Ella mezcla sonidos tradicionales y modernos basándose en los sonidos de Oaxaca.

En la época virreinal, la figura de dos músicos Oaxaqueños fueron trascendentales para entender la historia musical de México y del mundo:Juan Matias el viejo, músico indígena que según el Padre Burgoa decía que había nacido en San Bartolo Coyotepec. Es el primer músico libre que se conoce, que no quiere estar “vendido” a la iglesia y es el primer “indígena puro” que es nombrado Maestro de Capilla en la catedral de Oaxaca.

Existe otro Juan Matías que es un criollo, que vive un siglo después del primer Juan Matías. Este músico se llamó Juan Matías de los Reyes y Mapamundis. Músico de arpa y tañedor de varios instrumentos más, que tenía una gran familia y que los lleva a la iglesia a tocar junto con él. Este Juan Matías es el culminador del gran proceso de la música barroca en Oaxaca. Su maestro fue Manuel Sumaya y fue una personalidad en la música en Oaxaca.

Fuente: Wikipedia

Alberto De la Rosa Sánchez

Indiscutiblemente, uno de los tesoros más grandes que ha acumulado a través del tiempo el pueblo Veracruzano, es su expresión musical, música que en muchas ocasiones es complementada con danza, y en otras es una fuerte invitación a bailar al ritmo de sus alegres compases.

En el estado de Veracruz sobresalen tres estilos de música, que cuentan con fuerte arraigo entre sus pobladores y un gran número de seguidores en otras partes de México y el extranjero.

Al norte nos encontramos con la música Huasteca que aunque se manifiesta también en otros estados vecinos, en Veracruz adquiere características muy propias ya que es parte de toda una forma de vida. Los Huastecos aman profundamente su música y ocupa un lugar esencial en todos los momentos importantes de su existencia; nacimientos, bautizos, bodas, celebraciones religiosas, funerales etc., En toda la Huasteca Veracruzana, que abarca desde la ribera del río Pánuco, que nos une con el estado de Tamaulipas, hasta la ciudad de Poza Rica y lugares circunvecinos, se escucha el canto del “falsete” siguiendo las vibrantes notas del violín ejecutado con singular maestría y acompañado por la jarana y la huapanguera. Actualmente los festivales de Son Huasteco se han popularizado en toda la región y ya son muchos los pueblos que con gran éxito los organizan.

En el puerto de Veracruz y sus alrededores florece la música Caribeña, también llamada Tropical, y es necesario hacer notar que aunque Veracruz geográficamente no se encuentra en el Caribe, culturalmente forma parte importante de él, ya que en Veracruz se toca, se canta, se baila y lo que es más significativo, se compone música Caribeña la cual ha trascendido mas allá de nuestras fronteras donde destaca uno de los más grandes compositores Mexicanos de todos los tiempos: el “músico-poeta Agustín Lara”. Desde luego en Veracruz florece un estilo muy particular de  ritmos Caribeños y podemos afirmar que la Rumba y el Danzón ya tienen carta de nacionalización, cuya  manifestación más voluptuosa la vivimos durante la celebración del más famoso carnaval de México: el “Carnaval de Veracruz”, amén de otros carnavales y ferias de la geografía Veracruzana.

Desde luego la Música Jarocha es la que con mayor fuerza representa a los Veracruzanos, esto se debe a que nació en esta tierra y se puede decir que desde aquí ha conquistado al mundo.  “Jarocho” originalmente era un término despectivo con el que los primeros habitantes del puerto de Veracruz, la mayoría nacidos en la península Ibérica, llamaban a los que vivían fuera de las murallas de la ciudad, y que normalmente eran los encargados de los establos y caballerizas de la clase poderosa. Con el tiempo el significado del nombre ha cambiado y en nuestros días es símbolo de orgullo. El calificativo de Jarocho se fue extendiendo hacia la cuenca del río Papaloapan y el sur del estado naciendo toda una cultura Jarocha con  una serie de tradiciones compuesta por gastronomía, vestimenta, lenguaje, literatura, danza y desde luego Música, la que como todo lo demás es el resultado de la mezcla de tres culturas: la Indígena que ya vivía en esta región, la Española que llegó a conquistar y la Africana que fue traída en calidad de esclava. La riqueza de la música Jarocha es infinita, las Jaranas son el alma principal de los conjuntos a las que se le suman una gran variedad de instrumentos entre los cuales en muchas ocasiones destaca el “Arpa”, que de alguna forma es también un ícono de Veracruz. Se puede decir que cada músico es un  “Juglar”, ya que en sus composiciones narra sucesos o convierte con ingenioso humorismo situaciones difíciles o dramáticas en jocosas aventuras, destacando la facilidad para improvisar un verso en el que alude a algún personaje de la reunión o a alguna situación del momento. 

La Música Jarocha se escucha en todo el sur del Estado, sobresaliendo Tlacotalpan, donde se celebra la fiesta de la Candelaria y año con año se realiza el encuentro de jaraneros, al que asisten músicos de todo México y de otros Países; Alvarado, cuna de grandes músicos que durante todo el mes de mayo viven el Son Jarocho en sus tradicionales “Fiestas de las Cruces” y donde J. Pablo Moncayo estudió y compuso su famoso “Huapango”; además las pequeñas poblaciones de Mandinga y Boca del Río, lugares en que los turistas además de escuchar la variedad de Sones pueden disfrutar sabrosos manjares de la  comida Jarocha.

Como Arpista Veracruzano con más de 40 años de vida profesional, en la cual he tenido la oportunidad de interpretar la música de nuestra tierra en múltiples ocasiones ante todo público y en escenarios de los cinco continentes, he constatado con orgullo el aprecio, el cariño y la alegría con la que esta es recibida en cualquier parte del mundo, aún en remotos lugares donde difícilmente se ha escuchado el nombre de Veracruz.

Crédito: MusicaJarocha.com

 

Los grupos de mariachi o mariachis son conjuntos musicales típicos de México, originarios de la región occidental: los actuales estados de Jalisco, Michoacán y Nayarit. Su música y vestimenta son famosos en todo el mundo. Aún representando una de las muchas facetas regionales de la música mexicana, el mariachi se ha extendido como un símbolo de la cultura mexicana. La música interpretada por mariachis se acostumbra en México en fiestas públicas tales como el día de las Madres (10 de mayo) o el de la Virgen del Guadalupe (12 de diciembre), reuniones familiares o serenatas. Entre los autores de canciones para mariachi más importantes están Rubén Fuentes, Gilberto Parra Paz, José Alfredo Jiménez, Tomás Méndez y Manuel Esperón.

En noviembre del 2011 la Unesco inscribió a El Mariachi, música de cuerdas, canto y trompeta como integrante de la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.

El bolero es un género musical cubano y desarrollado en varios países hispanoamericanos, como México, República Dominicana, Puerto Rico, Colombia, Ecuador, Perú, Panamá, Costa Rica, Chile y Venezuela, muy popular en todos los países hispanoamericanos.

Raíces

Al parecer, las raíces del bolero están en los compases de la contradanza del siglo XVIII. También son identificables en el género algunos elementos rítmicos en formas de composición que aparecieron en el folclore cubano durante el siglo XIX, como el danzón y la habanera. Precisamente esta última presenta una gran afinidad rítmica con el bolero.

En 1793 ya se reporta la existencia de los primeros cantantes que, como Javier Cunha y Nicolás Capouya (éste último no dejó composiciones escritas), componían canciones con ciertas similitudes con el bolero, tanto musicales como temáticas.

Orígenes e historia

Aunque existen diversas teorías sobre el origen del bolero, alguna de las cuales señala a Europa como la cuna del género, la práctica señala a Cuba como la indudable creadora de este género musical, que más tarde se extendió por América Latina.

El bolero típico cubano surgió definitivamente alrededor de 1840. Se acepta que el primer bolero fue Tristezas, escrito por el cubano José ''Pepe'' Sánchez en Santiago de Cuba en 1886. Aunque algunos difieren de la fecha, lo importante es que esa pieza dio origen formal al género y con el acompañamiento musical que denominamos «clásico» (las guitarras y la percusión). Así, el bolero evolucionó de música de cantinas y peñas a música de serenatas.

Según el musicólogo cubano Argeliers León, la música yucateca de México jugó un papel importante en el nacimiento del bolero cubano, por la mezcla de rasgueado y punteado, que se introdujo a la isla a finales del siglo XlX como un nuevo estilo de acompañamiento en la guitarra.

 

Nació en Parácuaro, Michoacán el 7 de enero de 1950, conocido como Juan Gabriel. Es conocido también por el sobrenombre de el Divo de Juárez.

Es creador de más de 1800 canciones en géneros musicales tan diversos como la balada, ranchera, pop, country, bolero, balada ranchera, banda sinaloense, cumbia, polka, norteña, vals,disco, samba, sus piezas han sido ejecutadas instrumentalmente por orquestas como: Ray Conniff, Paul Mauriat y la London Symphony Orchestra.

Sus canciones se han interpretado en varios idiomas; como inglés, japonés, italiano, portugués, turco, alemán y francés e interpretadas por cientos de artistas y grupos de diversas nacionalidades.

Sus 34 producciones musicales han registrado ventas por más de 100 millones de discos, más otros 50.000.000 como productor, arreglista y compositor. La Academia Latina de la Grabación (LARAS) nombró a Juan Gabriel Persona del Año del Latin GRAMMY, reconociendo así más de 100 millones de copias de discos vendidas, unas mil 500 canciones escritas, además de ser admirado por artistas famosos de nuevas generaciones como Enrique Iglesias, David Bisbal y Franco de Vita^.

Se le ha premiado con más de 15 discos de oro, platino y multiplatino. Es el compositor hispano más interpretado a nivel mundial.

El 5 de octubre es el día de Juanga en la ciudad de Los Angeles, además de tener las llaves de la ciudad de Buenos Aires, el Vaticano, Madrid, Asunción y una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, reconocimientos y premios otorgados por los reyes de España, etc.

Es el único artista que posee los derechos universales y totales de su obra intelectual. Ha realizado más de 10.000 presentaciones por todo el mundo.

Realiza obras destinadas a ofrecer oportunidades de desarrollo a niños desafortunados. Es benefactor de más de un centenar de menores albergados en una escuela creada en 1987 en Ciudad Juárez, Chihuahua, que lleva por nombre Semjase.

 

La Banda El Recodo de Cruz Lizárraga es una banda sinaloense formada en El Recodo Sinaloa, en 1938 por Cruz Lizárraga la cual se puede considerar como la pionera en la divulgación del género, que ya se venía gestando desde décadas atrás por lo que se le conoce como "La madre de todas las bandas". En un principio, se dedicó a tocar corridos, sones, polkas y marchas, pero con el tiempo introdujo un nuevo estilo, empleando la tambora como instrumento principal y generando así piezas más populares. Ha tocado a lado de personajes de la talla de José Alfredo Jiménez y Juan Gabriel. Actualmente cuenta con gran reconocimiento internacional, ha grabado más de 180 álbumes y ha vendido más de 20 millones de discos, llegando su música a los 5 continentes.

Inicios

La historia de la Banda El Recodo se inicia con la inquietud del joven músico Cruz Lizarrága, quien, además de fundarla, le dio su actual fisonomía estableciendo el estilo, la forma y el número de sus integrantes actuales y asociándola de manera indeleble con el lugar de su origen. El Recodo, en efecto, es el nombre del pueblo donde nació esta banda de instrumentos de viento en el estado de Sinaloa, sobre el Pacífico mexicano.

Tal como sucedía en diversos países de América Latina, la banda era una formación semiclásica de músicos, generalmente voluntarios, que tocaban piezas sinfónicas, marciales y populares para divertir e instruir a la población local en las plazas de cada pueblo. En ese formato inicial fue parte de la herencia cultural que dejaron en México los marineros europeos cuyas naves anclaron en el litoral oeste del país, especialmente en Mazatlán, el puerto más próximo a El Recodo, el lugar donde nació y se crio don Cruz Lizárraga. Éste observó que las bandas municipales, que tenían hasta cincuenta integrantes, sonaban demasiado solemnes en el momento de tener que amenizar una retreta, una verbena, o un baile. Por eso comenzó a experimentar con la que pudiera ser una formación mucho más simple y accesible para el pueblo en sus celebraciones y mucho más abierta en su propuesta, una banda que interpretara los ritmos favoritos de la mayoría del pueblo, desde el vals y la ranchera hasta el bolero y la cumbia. De esta manera nace la agrupación de banda sinaloense como tal.

Ya en la década de 1950 la banda era conocida en casi todo México, por lo que se decide buscar nuevos horizontes, lanzándose así a la conquista del mercado estadounidense e incluyendo en su repertorio canciones típicas del país vecino como Patrulla americana canción que volvería a ser incluida en 1998 en el disco doble Tengo una ilusión. En 1952, La Banda El Recodo comienza su trayectoria discográfica, grabando para el sello RCA Victor el disco homónimo, el cual contenía canciones de corte instrumental y que serían a la larga canciones recurrentes en grabaciones de muchos grupos y solistas, tanto en el género de la banda, como en mariachi o en grupo norteño, canciones conocidas son Mi gusto es, El sauce y la palma, El toro viejo, El abandonado, Qué bonita es mi chaparrita y para muchos el himno del estado natal de Don Cruz: El sinaloense. Desde ese momento, comenzó una trayectoria ascendente hacia la fama nacional e internacional. Cruz Lizárraga siempre estuvo convencido del impacto de su banda, y no hizo mal al decir: "no descansaré hasta que la música de Banda se escuche en todos los ámbitos de la tierra".

Nace en Fresnillo, Zacatecas el 25 de julio de 1926; muere en la Ciudad de México el 19 de junio de 1995.

Infancia en Zacatecas

Fue hijo de Juan Méndez y María Sosa, su padre era minero y murió de tuberculosis. Su familia era numerosa tuvo seis hermanos, Agripina, Ángela, Amanda, Antonio, Juan y Manuel. A la edad de once años comenzó a trabajar repartiendo canastas de comida en el tiro de la mina Buenos Aires. Casi al terminar la escuela primaria, obtuvo trabajo en la Hacienda Proaño cuyo dueño era el estadounidense Joe Wright Terral. Tomás Méndez trabajó como niñero del hijo de tres años de edad, de Wright. Durante la ausencia de Méndez, el pequeño murió en un trágico accidente. Wright y su esposa decidieron abandonar el pueblo, recomendando a Méndez para un trabajo en el hospital del cual eran dueños.

Primeras composiciones

Influenciado por la vida campirana comenzó a componer sus primeras canciones, las cuales dio a conocer en el burdel local. Entre las primeras composiciones destaca Pervertida de título homónimo a la de Agustín Lara pero de diferente contenido.

Estudió un poco de solfeo con su gran amigo, el pianista y organista Manuel Almanza Angón, quien fuera director de la reconocida Sonora Zacatecana, pero al poco tiempo abandona las clases por ser un músico lírico que componía de oído, y que prefería seguir tocando así.

Se trasladó a Ciudad Juárez donde conoció a Gabriel Gómez, quien años más tarde le grabó un disco de acetato. Viajó a la Ciudad de México en donde vivió con un tío. Obtuvo un trabajo en la XEW como "jalador" de aplausos del programa de Severo Mirón. Durante su primer año en la capital, compusó una canción dedicada a la Virgen de Guadalupe, la cual fue interpretada por Lola Beltrán repetidas ocasiones el 12 de diciembre en la Basílica. Se dice que "paloma negra" fue escrita para Herminia Salas.

Incursiones en la radio

Trabajó en Cinebos Company como ayudante de productores, siendo sus jefes Juan Gabriel Martínez y Margarita Michelena. Pudo conocer a los jefes de escritores de los programas Ley Mex, Gracias doctor y La hora mejor, con Mejoral. En el departamento de radio compaginaba y sellaba los guiones.

Mediante la ayuda de Jorge "Polilla" Gutiérrez se acercó al programa La hora mejor con Mejoral de la XEW. Conoció a Los Tres Diamantes y como su maestro de ceremonias los acompañó en una gira a través de Estados Unidos y Cuba. Fungiendo como su secretario compusó una canción para el trío. Tiempo después conoció a Mariano Rivera Conde y a Miguel Aceves Mejía quien interpretó algunas de las composiciones de Méndez.

Lola Beltrán

Durante una reunión en la casa de Emilio "el Indio" Fernández, conoció a Lola Beltrán, a partir de ese momento se convirtió en su compositor. En 1952, las canciones La luna dijo que no, Habana, Que me toquen las golondrinas, Tres días, Puñalada trapera, Desafío, El tren sin pasajeros, Las rejas no matan y Huapango torero se habían dado a conocer por medio de la cantante. Compuso además Gorroncillo pecho amarillo, Cucurrucucú paloma y La muerte de un gallero. Méndez también fue escritor de libretos para programas folclóricos de televisión, destacando el programa Dos gallos en palenque.¹

Otros intérpretes

Entre sus más importantes intérpretes se encuentran:

- Lola Beltrán

- Pedro Infante

- Javier Solís

- Amalia Mendoza "la Tariácuri"

- Lucha Villa

- Miguel Aceves Mejía

Reconocimientos y muerte

Su trayectoria como compositor fue reconocida por medio de diplomas, homenajes y discos de oro. Fue miembro de la mesa directiva de la Sociedad de Autores y Compositores de Música (SACM).

Era diabético y a consecuencia de complicaciones por su enfermedad, sufrió un infarto y embolia. Murió el 19 de junio de 1995.

Algunas canciones famosas de Tomás Méndez

- Bala perdida

- Gorrioncillo pecho amarillo.

- Cucurrucucú paloma.

- Golondrina presumida.

- Huapango torero.

- Las rejas no matan.

- Que me toquen las golondrinas.

- Paloma negra.

Puñalada trapera.

Tres días.

Nació el 6 de octubre de 1907 en la ciudad de Orizaba, Veracruz, falleció el 14 de diciembre de 1990 en Texcoco, Estado de México. Fue un compositor mexicano de canciones infantiles, famoso por presentar durante muchos años un programa de radio enfocado a los niños, para el cual creó al personaje Cri-Cri, el grillito cantor. Sus canciones son famosas en América Latina y han sido traducidas a distintos idiomas.

Infancia

Hijo de Tiburcio Gabilondo y de Emilia Soler, Francisco Gabilondo Soler se crio hasta 1928 en su ciudad natal Orizaba, siendo esta ciudad típica de montaña, entre cerros, lluvia, bosques y manantiales. Creció muy alto y era aficionado a aprender; así aprendió todo lo que pudo, especialmente geografía, matemática, astronomía, cuentos y música. Estos dos últimos los aprendió mejor, de modo que los combinó en distintos tamaños y formas. Tanto se dedicó a eso que acabó trabajando de compositor. La escuela lo aburría por lo que solo cursó hasta el sexto grado de educación básica. Le gustaba leer las obras de Hans Christian Andersen, de Hauff, de Julio Verne y de Emilio Salgari.

Al terminar la primaria, continuó con una formación autodidacta, abarcando temas de matemáticas, geografía, historia y literatura universal. Tomó un curso de Linotipista en Nueva Orleáns y otro de navegación por correspondencia desde Maryland, Estados Unidos, pero sus grandes pasiones fueron la astronomía y, en especial, la música, por lo que llegó a dominar el piano, instrumento que tocaba con muy buen gusto.

Juventud

Gabilondo Soler era sin duda un hombre deportista y desempeñó diferentes actividades durante su adolescencia y juventud, entre ellos probó la natación, después el boxeo y por último, también intenta torear y aunque no lo hacía mal, le molestaba tener que matar el toro por lo que abandonó al poco tiempo esta afición, porque no se sentía a gusto con el trato que se le daba a los animales. Decepcionado por esta y otras razones dentro del arte de la tauromaquia, comenzó a probar suerte como músico y compositor.

Inició su carrera como compositor a finales de los años veinte, cuando aún vivía en su natal Orizaba. Compuso ritmos como tango, fox-trot y danzón, aunque desafortunadamente sus primeras obras se perdieron.

Llegó a la ciudad de México en 1928 en busca de cumplir su sueño de estudiar astronomía. Ingresó en 1928 al Observatorio Nacional como voluntario, pero lo dejó al poco tiempo por falta de recursos.

Se casó muy joven, casi terminando la adolescencia, y sin tener oficio ni beneficio y por insistencia de Rosario Patiño, su primera esposa que conoció en Orizaba ¹ (tuvo tres matrimonios), se instaló en la ciudad de México cuando ésta apenas comenzaba nacer. Aunque su mayor pasión fue siempre la astronomía (donó un telescopio al Observatorio Nacional) la música fue el camino que lo llevó al “estrellato”.

La radio

En 1932 incursiona en la estación de radio XYZ con un programa humorístico y de crítica social, por el cual ganó el apodo de El Guasón del Teclado. Posteriormente el Sr. Othón Vélez le da la oportunidad de presentar canciones para niños. El 15 de octubre de 1934 inicia un nuevo programa de 15 minutos -sin patrocinadores ni publicidad- en la XEW en el que narraba historias sobre animales y otros personajes. A sugerencia del mismo Sr. Vélez, adoptó el nombre de Cri-Cri, El Grillito Cantor. Las canciones que interpretó durante esa primera emisión fueron El Chorrito, Batallón de Plomo, Bombón I y El Ropero. El programa se mantuvo al aire durante 27 años, siendo su última emisión el 30 de julio de 1961.

Astronomía

Ingresó a la Sociedad Astronómica de México como miembro activo el 31 de octubre de 1951; construye un observatorio en el pueblo deTultepec (al norte de la Ciudad de México) para que los aficionados de la S.A.M. hicieran prácticas. Posteriormente cede esas instalaciones a la S.A.M. Sobre esta pasión expresaba:

"Me gustaba leer los libros de Salgari, de Verne ..., quería ser como [un] pirata de Salgari; a esos piratas lo vi muy buenos, muy generosos y hasta bondadosos ... y así quería ser, un pirata ... pero un pirata debía conocer los mares ..., y la geografía, para recorrer el mundo ... Debía estudiar las estrellas, pues ¿Cómo orientarse en el mar sin conocer las constelaciones? Había que estudiar cosmografía y también aritmética y geometría, pues las cosas se hacen a base de suficiente preparación. Quise ser de todo, astrónomo, geógrafo, ingeniero ..."(...)"Éramos siete [amigos de un colegio] a quienes, creyendo ser ya sabios, se nos metió la idea de concurrir al Observatorio de Tacubaya, no como simples visitantes, sino para que se nos dejara usar los instrumentos para descubrir otros planetas, cometas, y muchas nebulosas ... Don Joaquín Gallo tuvo la paciencia de tolerar nuestro deseo y nos enseñó cosas del Observatorio, pero también nos hizo cierto examen con el que enseñamos el cobre y ya no salimos de ahí tan seguros de nuestro vale. Sin embargo, regresamos, y aunque amablemente se nos permitió incursionar por las instalaciones, sólo pudimos meter la nariz, no nuestro talento. En el observatorio se nos conocía como Los Siete Sabios de Tacubaya ..."

A mediados de la década de 1970, para eludir el ambiente citadino, decide retirarse al pueblo de San Miguel Tocuila, cerca de Texcoco, en donde hizo construir una casa con cierta semejanza a la que tuvo en su infancia. A pesar de los efectos de la edad y las limitaciones visuales sigue dedicado a la astronomía con un telescopio y binoculares, con cálculos matemáticos y, excepto en sus últimos días, la lectura.

Cine

En 1963 se estrenó una película titulada Cri Cri el grillito cantor protagonizada por Ignacio López Tarso y Marga López, sobre la vida de Francisco Gabilondo desde pequeño cuando vivía con su abuela hasta sus últimos años en los que ya no hacía su programa. En la película se interpretan diversas canciones escritas por él y también incluye una secuencia animada por Walt Disney para la canción de Los Cochinitos Dormilones.